Đã rộng một nắm kỷ kể từ lúc trừu tượng nổi lên như một phe phái chính với thống trị quả đât nghệ thuật trong một thời gian dài. Nó vẫn là một trong những khía cạnh đặc trưng của thẩm mỹ đương đại và các ví dụ điển hình rất có thể được tìm thấy tại các bảo tàng nghệ thuật bậc nhất của NYC, bao hàm Mo
MA,Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan, Guggenheim và Whitney. Bắt đầu của thẩm mỹ và nghệ thuật trừu tượng bắt đầu từ thế kỷ 19 cùng với sự lộ diện “nghệ thuật vị nghệ thuật” - một triết lý lập luận cho ý tưởng rằng hội họa với điêu khắc phải tự hóa giải khỏi nhà nghĩa thoải mái và tự nhiên để triệu tập vào bản chất của nghệ thuật. Cơ mà bất kể ai đó đã tạo ra nó, nghệ thuật và thẩm mỹ trừu tượng đã biến hóa cơ bản toàn bộ lịch sử hào hùng nghệ thuật. Theo dõi bài viết của cửa hàng chúng tôi để tò mò các nghệ sỹ trừu tượng gồm sức ảnh hưởng lớn nhất đều thời đại.
Bạn đang xem: Tranh trừu tượng nổi tiếng
1. Vasily Kandinsky (1866–1944)
(Vasily Kandinsky,Black Lines (Schwarze Linien), 1913)
Trước năm 1913, Vasily Kandinsky theo đuổi thẩm mỹ và nghệ thuật tạo hình, mà lại ông là 1 trong những trong số số đông họa sĩ đầu tiên thúc đẩy sự trừu tượng thuần túy, hoặc như ông nói, “nghệ thuật không nhờ vào vào gần như quan sát của một fan về trái đất bên ngoài”. Ông đặc biệt quan trọng tin rằng color có thể tách biệt khỏi toàn bộ các tham chiếu bên phía ngoài và đổi thay một công ty đề cho nghệ thuật. Cuốn sách năm 1910 của ông, "Về tinh thần trong nghệ thuật" đưa ra các kim chỉ nan và trở thành một trong những tuyên ngôn nghệ thuật và thẩm mỹ của chủ nghĩa văn minh thế kỷ 20.
2. Piet Mondrian (1872–1944)
(Piet Mondrian,Broadway Boogie Woogie, 1942-43)
Cùng với Picasso, Mondrian được biết đến là họa sĩ theo phong cách nghệ thuật hiện tại đại, và chỉ cần nhắc đến tên của ông, ngay lập tức liên quan đến giữa những tác phẩm hình học với tính hình tượng gồm các hình vuông vắn màu cơ bạn dạng được bao bọc bởi những đường vuông góc màu đen, đậm. Giống như nhiều tín đồ theo công ty nghĩa tân tiến đầu tiên,Mondrian bắt đầu làm câu hỏi theo nhiều phong thái khác nhau, ông chịu ảnh hưởng của nhà nghĩa Hậu Ấn tượng, của Seurat và Van Gogh qua các tác phẩm sinh sống vùng nông xóm Hà Lan. Tuy nhiên, các bước của ông được liên quan bởi ước muốn được giao cảm chổ chính giữa linh với thần thánh. Đến năm 1913, thẩm mỹ của ông càng có xu thế trừu tượng. Tuy nhiên, phải đến các năm 1920–21, ông mới đưa ra quyết định được phong thái mà mình yêu thích nhất.
3. Kazimir Malevich (1878–1935)
(Kazimir Malevich,Suprematist Composition: Airplane Flying, 1915)
Chỉ vài năm sau Kandinsky, Kazimir Malevich từ quăng quật hội họa đại diện thay mặt cũ vào thời điểm năm 1915, và tạo thành tác phẩm đầu tiên trong số rất nhiều tác phẩm theo phe cánh Siêu việt của bản thân (được đặt tên vậy nên vì sự tập trung của thắng lợi vào “sự vượt trội của cảm hứng hoặc nhận thức đơn thuần trong thẩm mỹ hình ảnh”). Phong cách mà ông theo đuổi cũng ca ngợi là “chủ nghĩa hiện thực mới của họa sĩ”, đặc trưng với những khối hình học màu nổi trên nền white với những tác phẩm như hình vuông đen (1915) và bố cục siêu hình: white trên nền white (1918). Mặc dù nhiên, việc Stalin lên gắng quyền sau tử vong của Lenin vào khoảng thời gian 1924, nghệ thuật trừu tượng bị xem là một hiệ tượng suy đồi bốn sản, dẫn mang lại một chiến dịch bọn áp, sau cuối Malevich buộc phải trở lại với thẩm mỹ và nghệ thuật tượng hình.
4. Lyubov Popova (1889–1924)
(Lyubov Popova,Painterly Architectonic, 1917)
Chủ nghĩa Bôn-sê-vích tán thành bình đẳng giới, bởi vì vậy không có gì không thể tinh được khi một số nữ nghệ sĩ đứng vào hàng ngũ hầu như nghệ sĩ mũi nhọn tiên phong của Liên Xô thời kỳ đầu - Lyubov Popova cũng nằm trong các đó. Là một trong những tín đồ của Malevich, bà cũng là một trong nhà thi công và là một thành viên chủ chốt của trào lưu Kiến tạo, nơi đồng tình việc gắn nghệ thuật và thẩm mỹ vào việc cải cách xã hội. Vay mượn mượn bề ngoài kiến trúc trẻ trung và tràn đầy năng lượng của chủ nghĩa kiến tạo, bà tế bào tả những bức tranh của bản thân mình là "công trình xây dựng" bằng màu sắc và con đường nét.
5. Mark Rothko (1903-1966)
(Mark Rothko,Painting No 21 (red Brown Black & Orange), 1951)
Sinh ra sinh sống Latvia, Mark Rothko tuyên chiến đối đầu và cạnh tranh với Jackson Pollock và Willem de Kooning cho thương hiệu nghệ sĩ theo trường phái Trừu tượng thể hiện nổi giờ đồng hồ nhất. Mặc dù nhiên, xem về phong cách, thành tựu của Rothko khác với Pollock và
De Kooning ở biện pháp ông khuếch tán tô ra khắpbức tranh thay do để nó ở một điểm. Rothko đặt những đốm màu mở rộng xếp ông xã lên nhau bên trên nền đánh dọc theo những cạnh của ba cục. Sự tương làm phản về color tạo ra đông đảo rung động thị giác khiến hình của Rothko bên cạnh đó lơ lửng trong ko gian. Chuyển trung khu trạng thành màu sắc, Rothko nhằm mục đích mục đích khơi gợi phản bội ứng cảm giác ở fan xem.
6. Jackson Pollock (1912–1956)
(Jackson Pollock,One: Number 31, 1950)
Là khuôn mặt của chủ nghĩa Trừu tượng biểu lộ và là nghệ sĩ lớn của Mỹ thời hậu chiến, Pollock nổi lên vào cuối trong năm 1940 và đầu trong những năm 1950 với rất nhiều bức tranh nhỏ dại giọt quánh trưng. Chúng được tạo ra trong quá trình sáng tạo thành bùng nổ từ năm 1947 cho năm 1950 tại New York. Kỹ thuật của ông đã được Hans Namuth ghi lại. Lộ diện trong tạp chí với title “Anh ấy tất cả phải là họa sĩ đương thời béo phì nhất ở Hoa Kỳ?”, Pollock giành được một mức độ lừng danh mà không một ai sánh kịp cho đến khi Andy Warhol nổi lên vào trong thời hạn 1960. Bị xôn xao tâm thần các năm bao gồm cả bệnh nghiện rượu, Pollock đang chết bi thảm trong một vụ tai nạn ô tô vào năm 1956.
7. Agnes Martin (1912–2004)
(Agnes Martin,With My Back khổng lồ the World, 1997)
Sinh ra sống Saskatchewan, Agnes Martin thường xuyên được điện thoại tư vấn là người đón đầu của thẩm mỹ và nghệ thuật Tối giản. Tuy nhiên, bà tự coi mình là một trong những người theo trường phái Trừu tượng bộc lộ với những tác phẩm có bố cục tổng quan lưới và những dải sơn những sắc thái. Bà chia sẻ sự nhấn mạnh của Newman vào câu hỏi khơi gợi phản nghịch ứng cảm hứng - thậm chí còn là biểu hiệntừ người xem về ý tưởng nắm bắt xúc cảm của người nghệ sỹ trong một cử chỉ. Vào trường hợp của Martin, điều đó tức là tìm kiếm một trạng thái tuyệt đối trong các bước của bà.
8. Joan Mitchell (1925–1992)
(Joan Mitchell,Untitled, 1992)
Joan Mitchell là một trong những phần làn sóng “thế hệ thiết bị hai” của những người theo phe cánh Trừu tượng Biểu hiện, một trong những phần đã làm dịu đi, một trong những phần là sự tấn công hiện sinh của rất nhiều người gây dựng trước đó, mang phong cách theo phía trữ tình hơn. Việc áp dụng tạo hình vẫn là 1 thành phần quan trọng trong tác phẩm của rất nhiều họa sĩ làn sóng này, với trong tay của Mitchell,chúng gợi liên tưởng đến cảnh sắc và tĩnh vật. Bị tác động bởi Paul Cézanne, Claude Monet và Vincent van Gogh, Mitchell gần như là một người theo phe cánh Hậu Ấn tượng. Bà ấy đã dành đa số sự nghiệp của chính mình để sống và thao tác tại Pháp.
9. Ellsworth Kelly (1923–2015)
(Ellsworth Kelly,Colors for a Large Wall, 1951)
Trong trong thời hạn 1950, trong khi Chủ nghĩa Trừu tượng bộc lộ vẫn còn sinh hoạt đỉnh cao, Ellsworth Kelly bắt đầu trưng bày những bức tranh sơn dầu 1-1 sắc, bừng sáng có phong thái trái ngược cùng với những họa sỹ như Pollock với Willem De Kooning. Ở những khía cạnh, ông là 1 trong những người ngoại đạo trong thời kỳ này, theo cả nghĩa bóng và nghĩa đen khi ông cải cách và phát triển óc thẩm mỹ của chính mình khi sống ở Paris, chỗ ông gửi đến vào năm 1948. Sự tìm hiểu của ông về quan hệ giữa hiệ tượng và color khác với những nhà trừu tượng trước đó và nhà nghĩa Trừu tượng Biểu hiện. Cửa nhà của Kelly đã tạo nên âm hưởng đến nền thẩm mỹ và nghệ thuật sau đó, bao hàm Chủ nghĩa tối giản, Hội họa góc cạnh, Trường màu và thậm chí là cả thẩm mỹ Pop.
10. Bridget Riley (sinh năm 1931)
(Bridget Riley,Quiver 3, 2014)
Mọi người cho biết họ cảm thấy say sóng hoặc chóng mặt lúc chứng kiến tận mắt tác phẩm của họa sỹ người Anh Bridget Riley. Các tác phẩm khét tiếng nhất của bà có các đường vân xen kẽ màu black và trắng, được đặt gần nhau, tạo thành các mô hình chuyển động và rung động. Riley là người dẫn đầu phong trào Op Art, tạo nên vào trong năm 1960 và tất cả chung xu hướng tạo nên sự sắc sảo về mắt với một phong thái khác của thời kỳ đó: Pop Art.
Xem thêm: Những Dấu Hiệu Ung Thư Răng, Điều Trị Sao Cho Đúng? Cách Điều Trị Ung Thư Nướu Răng
Từ khi thành lập vào vào cuối thế kỷ 19 mang lại nay, nghệ thuật trừu tượng sẽ trở nên phổ biến và ngày càng cải cách và phát triển qua vô vàn tác phẩm. Trường phái linh hoạt này đã cách tân và phát triển vô cùng khỏe mạnh thành hàng nghìn trào lưu nghệ thuật và thẩm mỹ khác nhau, rất có thể kể mang đến như Abstract Expressionism (Chủ nghĩa biểu thị Trừu tượng), Lyrical Abstraction (Chủ nghĩa Trừu tượng Trữ tình), Colour Field, Post-painterly Abstraction (Hậu trừu tượng họa pháp), hay thậm chí là Minimalism (Phong cách tối giản).
Sức dạn dĩ của thẩm mỹ và nghệ thuật trừu tượng cũng đã thấm dần vào thẩm mỹ đương đại và vẫn giữ vị trí thống lĩnh thị phần trong những phòng trưng bày thương mại và công ty đấu giá ngày nay. Sự cải cách và phát triển nhanh chóng của tập thể nhóm Abstraction-Création, hội team được ra đời để kháng lại ảnh hưởng của những người theo nhà nghĩa khôn cùng thực, hay những họa sĩ trừu tượng nổi danh thời buổi này vẫn luôn cho trình làng các tác phẩm new đều là vật chứng cho câu hỏi trường phái thẩm mỹ và nghệ thuật này đang còn tồn tại rất rất lâu sau này.
Trong bài viết này, The S Culture sẽ giới thiệu với fan hâm mộ 15 tác phẩm nghệ thuật và thẩm mỹ đã và đang xuất hiện những tác động vô cùng đặc biệt đến thẩm mỹ và nghệ thuật trừu tượng:
1.Composition X, 1939 – Wassily Kandinsky
Composition II in Red, Blue, and Yellow – Piet Mondrian Ảnh góp sức từ Google Arts và Culture
‘Composition II in Red, Blue, and Yellow’ ghi lại một cách chuyển bản thân vô cùng tinh tế trong phong thái hội họa của Piet Mondrian. Với mục tiêu thể hiện nghệ thuật trừu tượng tới cả tuyệt đối, Mondrian có niềm tin rằng sự thuần khiết xuất xắc đối có thể được diễn tả qua phe phái ‘Neo-Plasticism’, hay còn gọi là nghệ thuật sinh sản hình (plastic arts). Ông tìm kiếm kiếm sự cân nặng bằng thông qua các tác phẩm của mình và cũng đã viết không hề ít về sự hài hòa trong bố cục tác phẩm. Ông xem xét cẩn thận việc bố trí màu sắc, kích cỡ của mẫu thiết kế và hóa học lượng mặt phẳng trong những tác phẩm của mình, qua đó hy vọng đạt được sự ‘tĩnh lặng’ trong các tác phẩm.
Có lẽ rất nhiều người sẽ bắt gặp tác phẩm này ít nhất một lần vào đời. Bức ảnh này đang trở thành một vào những biểu tượng nghệ thuật của nửa cuối thế kỷ 20, đồng thời cũng đã để lại vết ấn rất rõ ràng trong văn hóa truyền thống đại chúng ngày nay. Nói cách khác rằng Mondrian đạt được sự hoàn hảo và tuyệt vời nhất trong câu hỏi thể hiện tại sự thăng bằng trong thành quả của mình. Hầu hết đường nét phệ tương làm phản với hình vuông lớn color đỏ, hình chữ nhật bé dại màu vàng xuất hiện ở góc cuối, red color hòa với màu sắc xanh, toàn bộ những chi tiết này hầu hết ẩn chứa chân thành và ý nghĩa sâu dung nhan hơn là trình bày nên một bức tranh bắt mắt.
3. Peinture (Etoile Bleue), 1927 – Joan Miro
Lấy cảm giác từ giải pháp tranh vẽ thay mặt cho các chiều không gian, Ben Nicholson sẽ rời xa những tác phẩm tượng hình cùng trừu tượng lấy cảm xúc từ chủ nghĩa Hậu ấn tượng và chủ nghĩa Lập thể để thực hiện thử nghiệm với sản xuất các tác phẩm trừu tượng của mình. Những tác phẩm chạm trổ trừu tượng được sơn trắng này đã miêu tả rõ tài năng khéo léo của đôi tay người họa sĩ tài hoa này.
Mức độ quan trọng đặc biệt của ‘1934 (Relief)’ nằm tại vị trí những tác động nó đem lại, đặc biệt là từ Piet Mondrian với nhà điêu khắc Barbara Hepworth (người sau đây trở thành người yêu của ông). Sự biến hóa nhanh chóng từ những tranh ảnh trừu tượng trước đây của ông sang phần đông bức phù điêu này chắc hẳn rằng bắt nguồn từ việc ông đã chạm chán Mondrian một thời gian trước khi sáng tạo nên chúng, thuộc với việc được truyền cảm xúc rất nhiều từ những thẩm mỹ gia trừu tượng khác như Joan Miro với Alexander Calder.
5. Convergence, 1952– Jackson Pollock
Trong 44 năm ngắn ngủi của cuộc đời, Jackson Pollock đã ngừng 363 bức tranh. Ông danh tiếng với kỹ thuật nhỏ tuổi màu, và nhiều tranh ảnh của ông cũng đã để lại lốt ấn vô cùng sắc đường nét trong giới nghệ thuật.
Và trong những những item đó, ‘Convergence’ nằm tại phần đứng đầu. Tranh ảnh này khắc ghi một cách phát triển đặc biệt và sáng tạo trong lịch sử vẻ vang hội họa, chính là hiện thân của quyền tự do thoải mái ngôn luận qua nghệ thuật. Qua bức ảnh này, Pollock sẽ bày tỏ quan tâm đến về tác hại đến từ chủ nghĩa cộng sản và chiến tranh lạnh cùng với Nga. Tác phẩm này đã được biểu đạt là “thể hiện phần đông thứ quần chúng Mỹ đại diện thay mặt một giải pháp lộn xộn tuy thế cũng hết sức sâu sắc”.
Vào năm 1964, một doanh nghiệp về ghép hình sẽ cho reviews bức ‘Convergence’ dưới dạng tranh ghép 340 miếng với thương hiệu “trò ghép hình cạnh tranh nhất cố gắng giới”. Hàng ngàn người Mỹ đang đổ xô đi mua thành phầm này, từ kia tô đậm thêm sức tác động của Pollock lên nước nhà này.
6. Mountains & Sea, 1952 – Helen Frankenthaler
Điểm giao trét đáng trông rất nổi bật giữa công ty nghĩa biểu thị Trừu tượng và phong cách Color-field là tòa tháp ‘Mountains và Sea’ (Tạm dịch: Núi non và biển cả) của Helen Frankenthaler. Frankenthaler được mệnh danh vì nghệ thuật “vết loang”, và đó cũng là tác phẩm đầu tiên sử dụng nghệ thuật đó. Với kỹ thuật này, Frankenthaler đã pha loãng sơn bằng nhựa thông hoặc dầu hỏa, hóa học lỏng chiếm được này sẽ được hấp thụ qua các bức tranh đánh dầu không tồn tại khuôn. Dấu loang này sẽ để lại cảm xúc rằng các tác phẩm của bà luôn luôn chuyển động.
Frankenthaler đã thấy các bức vẽ trắng đen của Jackson Pollock ở một phòng trưng bày tại New York, từ kia lồng ghép thêm một ít phóng khoáng vào những tác phẩm của mình. Những tác phẩm trừu tượng của bà, với phong thái mờ ảo kỳ diệu, rất có thể tạo ra những khung cảnh đối với mỗi fan xem. Những tác phẩm vơi nhàng cùng hoa mỹ của bà tương làm phản với bút pháp impasto nhiều lớp vốn rất phổ biến lúc bấy giờ cùng đã ảnh hưởng đến không ít nghệ sĩ bao bọc bà.
